Am 31.3.2016 begann mit dem Beitrag „Über den Dächern von Paris“, einer kleinen Serie von Fotos, die wir von der Terrasse unserer Pariser Wohnung aufgenommen haben, das Abenteuer dieses Blogs. Seitdem habe ich diesen ersten Beitrag immer wieder ergänzt: Da gibt es Bilder von Sonnenuntergängen über der Stadt, von Notre Dame vor und nach dem Brand, vom Feuerwerk des 14. Juli und dem Défilé der Flugzeuge für die Militärparade, von neuen Hochhäusern an der städtischen Peripherie und von vielen Aus- und Einblicken in das Leben der Stadt…

Diesem ersten Beitrag sind viele weitere gefolgt. Es sind genau 300 Beiträge, die inzwischen zusammen gekommen sind, eine Anzahl, die ich mir vor 10 Jahren nicht hätte träumen lassen; auch nicht, dass sich die Frequenz der Beiträge in den letzten 5 Jahren noch unerwartet erhöht hat. Zurückzuführen ist das unter anderem auf das neu eigeführte Format „Bild des Monats“ und auf eine ganze Reihe von Gastbeiträgen, die diesen Blog bereichert haben. Ich denke da -unter anderem und vor allem- an die außerordentlich fundierten Beiträge von Ulrich Schläger, z.B. über die Bauten seines Kölner Landsmanns Hittorff in Paris oder -zuletzt- über die Bourse de Commerce.

Und zu allererst gibt es so viele Beiträge, weil Paris eine unübersehbare Fülle von Ideen und Themen anbietet, denen man kaum widerstehen kann. Derzeit gibt es beispielsweise drei große Ausstellungen: „Matisse 1941-1954“ im Grand Palais, Die Pariser Briefe der Madame de Sévigné (anlässlich ihres 400. Geburtstages) im Musée Carnavalet und die große Calder-Ausstellung in der Fondation Louis Vuitton. Außerdem kommt die Zeit der Rosen, da rufen der Bagatelle-Park und die Rosen von Josephine Beauharnais im Park von Malmaison. Natürlich gibt es auch Aktuelles wie die spektakuläre Verkleidung des Pont Neuf im Juni und längst Geplantes wie die Beiträge über die Bauten und Pläne Le Corbusiers in, um und für Paris, das „ägyptische“ Art decö-Kino Louxor, das Palais d’Iéna des Eisenbeton-Pioniers Auguste Perret, die Bouillons von Paris…. Angesichts des unübersehbaren Angebots, das Paris bietet, ist die Gefahr groß, sich darin zu verlieren und „Programmpunkte“ lediglich „abzuhaken“. Insofern ist der Blog auch ein ganz persönlicher Beitrag, unsere Zeit in Paris zu strukturieren und die ausgewählten Unternehmungen zu fundieren/zu intensivieren.

Es freut mich, wenn das dann auch Leserinnen und Leser des Blogs anspricht, Natürlich ist der Lichtjahre entfernt von den Hunderttausenden oder gar Millionen „followern“ mancher youtube, twitter- oder instagram- Adressen und Influencer . Dafür ist der Blog zu spezialisiert, und der Umfang der Beiträge übersteigt das in sozialen Medien Übliche bei weitem. Trotzdem verzeichnete die Blog-Statistik im letzten Jahr über 70 000 Besucher/innen und über 110 000 Zugriffe auf einzelne Beiträge, jeweils so viele wie noch nie in einem Jahr.

Die am meisten „nachgefragten“ Beiträge im letzten Jahr waren:

• Endlich spritzt, sprudelt und dreht er sich wieder: Der Strawinsky-Brunnen von Jean Tinguely und Niki de Saint Phalle am Centre Pompidou (aus dem Jahr 2023)
• Max Ernst und seine „Windsbraut“ Leonora Carrington in Saint-Martin d’Ardèche (2022)
• Mit Heinrich Heine in Paris (2017)
• Die alte Bibliothèque Nationale im Herzen von Paris (2024)

Also wieder eine dem Blog entsprechende „bunte“ Mischung…

Die meisten Aufrufe kamen wie immer mit großem Abstand aus Deutschland. Vor die üblichen weiteren Herkunftsländer (Frankreich, Österreich, Schweiz) hat sich im letzten Jahr allerdings überraschend China geschoben: Zwei Monate lang kamen Ende 2025 plötzlich außerordentlich viele Aufrufe aus China (sogar mehr als aus Deutschland), die dann aber wieder genauso abrupt aufhörten wie sie kamen. Eine Erklärung dafür habe ich nicht…

Natürlich freue ich mich nach wie vor auch über Zuschriften, vor allem über persönliche feed-backs, die über einen simplen  ‚Gefällt mir‘-Klick hinausgehen- so wie beispielsweise diese:

• Werter Herr Jöckel,  eher zufällig bin ich auf Ihren Paris-Blog gestoßen. Als Freund der französischen Kultur, Sprache und vor allem Paris habe ich mich bereits in einige Ihrer Artikel vertieft. Wertvoll! Großartig! Chapeau! Habe mich gleich als Abonnent eingetragen. Danke für diese Horizonterweiterung. In der nächsten Woche werde ich wieder Paris besuchen und mich schwerpunktmäßig mit der Résistance befassen. Vielleicht gibt es noch Tipps? (Natürlich gab es die…W.J.)
• Hallo Herr Jöckel, nachdem ich kürzlich etwas über Vögel in Paris gesucht habe, stieß ich auf Ihren Blog, Seitdem lese ich mich langsam ein, das heißt ich lese immer mal hier und da. Ihr Material ist ja umfangreich. Und hat wenig gemein mit den unzähligen Blogs, in denen man schnell ein paar Zeilen liest, Bilder guckt und vorwiegend Adressen für Gastronomie konsumiert. Und das finde ich richtig klasse! Ihre Texte regen mich an, bringen mir die Stadt näher….
• Sehr geehrter Herr Dr. Jöckel, durch Zufall bin ich auf Ihre wunderschöne Seite und Ihren Frankreich-Blog gestoßen und habe sehr viele Beiträge mit Freude gelesen. Ganz herzlichen Dank für die interessanten Schilderungen!

Von Zeit zu Zeit bekomme ich auch Angebote, gegen Geld Werbung im Blog zu platzieren oder -etwas weniger plump: angeblich zum Blog passende Artikel mit eingebauten Werbe-Botschaften, die ich nur zu übernehmen brauchte. Ich habe das immer dankend abgelehnt. Werbung mache ich selbst genug für die wunderbare Stadt Paris, die unsere zweite Heimat geworden ist.

Anlässlich des 5. Blog-Geburtstages habe ich dem Blog fünf weitere gute Jahre gewünscht. Dieser Wunsch hat sich voll und ganz erfüllt, wofür ich sehr dankbar bin. Angesichts meines doch etwas fortgeschrittenen Alters wäre es vermessen, dem Blog nun weitere 10 gute Jahre zu wünschen. Aber solange es Gesundheit, Neugierde und Energie ermöglichen, werde ich mich bemühen, den Blog auch in Zukunft mit interessanten und qualitätsvollen Beiträgen anzureichern und freue mich über Interesse, Kritik, Lob und Anregungen.

Wolf Jöckel

Derzeit ist im Frankfurter Städel Museum eine Ausstellung über „Monets Küste. Die Entdeckung von Étretat“ zu sehen und zu genießen.

Faszination Étretat: Eine Ausstellung im Städel-Museum in Frankfurt

In der Ausstellung wird nicht nur die Faszination deutlich, die Étretat auf viele Maler wie Claude Monet, Gustave Courbet und Henri Matisse ausgeübt hat, sondern es werden auch die aktuellen Probleme von „Monets Küste“ angesprochen: Ihre zunehmende gefährliche Erosion und ein überbordender Tourismus, der den vielbeschworenen Venedigs noch übertrifft: Auf gut 1000 Einwohner des Ortes kommen im Jahr 1,5 Millionen Besucher!

Wir haben Étretat Anfang der 2000-er Jahre entdeckt und waren dann mehrmals für einige Tage dort. Anlässlich der derzeitigen Ausstellung haben wir uns die damals aufgenommenen Fotos noch einmal angesehen, die die Faszination Étretats deutlich machen, die auch wir empfunden haben. Den heutzutage viel thematisierte overtourism, unter dem der Ort leidet, haben wir bei diesen Besuchen nicht gesehen, zumal wir ja auch immer außerhalb der touristischen Spitzentermine dort waren. Hinweise auf die im wahrsten Sinne des Wortes: Brüchigkeit der Naturschönheiten gab es zwar schon, aber man konnte sich noch mit großer Freiheit auf und unter den Klippen bewegen. Insofern haben wir die damals aufgenommenen Fotos jetzt wieder mit einiger Nostalgie betrachtet. Hier eine kleine Auswahl:

(Alle Fotos von Frauke und Wolf Jöckel, alle ohne Fotobearbeitung).

Titelseite des Ausstellungskatalogs[1]

Werbeplakat auf dem Holbeinsteg, der auf der Höhe des Städel-Museums den Main überspannt. Foto: F. Jöckel

Vitrine im Foyer des Museums mit Souvenirs der Ausstellung

„Monets Künste“: Dies ist ein publikumswirksam gewählter Ausstellungstitel: nicht nur wegen der Anziehungskraft des Namens „Monet“ im Allgemeinen, sondern auch wegen des 100. Jahrestages des Todes Monets, der mit zahlreichen Ausstellungen und Veranstaltungen begangen wird. Und natürlich kann der Ausstellungstitel auch als Hinweis darauf verstanden werden, dass Monet in der Normandie aufgewachsen ist. [2]

Étretat war aber nicht nur Monets Küste, sondern auch die zahlreicher anderer Maler wie Courbet und Matisse. Auch sie erlagen der Faszination, die die wilde Küstenlandschaft von Étretat mit ihren charakteristischen Felsformationen ausübte. Dennoch trägt die Ausstellung ihren Titel nicht zu Unrecht: Mehrfach hat sich Monet in den 1860-er und 1880-er Jahren in Étretat aufgehalten. „In über 80 Gemälden widmete er sich hier dem Natureindruck.“[3]  In der Städel-Ausstellung werden immerhin 24 Gemälde und Pastelle Monets gezeigt: „seine“ Küste wurde wohl noch nie so intensiv präsentiert.  

Monets Küste

1864 hat Monet bei seinem ersten Aufenthalt in Étretat Tor und Felsen von Aval gemalt (Musée Mer Marine, Bordeaux), eine der charakteristischen Felsenformationen des Ortes, die ihn nicht mehr losgelassen haben. Im Vordergrund am Strand stehen große Winden, mit deren Hilfe Fischerboote auf den Strand gezogen wurden. Das war notwendig, weil Étretat über keinen Hafen verfügte. Das Bild erscheint noch wenig impressionistisch.

Ganz anders dann die Gestaltung aus dem Jahr 1885.

                              Claude Monet, Étretat. Die Steilküste von Aval. The Israel Museum, Jerusalem

Gegenstand ist wieder die Steilküste von Aval. Das Bild verdeutlicht die Besonderheit der inzwischen für Monet charakteristischen revolutionären Malweise: „Das Gemälde erzeugt den Anschein einer flirrenden Bewegtheit, die dem natürlichen Licht- und Farbenspiel gleichen kann. Der Effekt beruht auf kurzen Pinselstrichen, den sogenannten  taches (franz. „Flecken“), die sichtbar auf der Leinwand stehen. Auf lange, geschlossene Linien  verzichtet Monet ganz: Die Formen der Landschaft -Felsen, Wolken, Wellen- sind rein aus Farbkontrasten gebildet.“ (S.25)

Hier noch einmal das gleiche Motiv (Steilküste von Aval), ebenfalls aus dem Jahr 1885 (Sammlung Hasso Plattner). Die großen Bilderserien Monets wie die der Heuschober oder der Kathedrale von Rouen entstanden zwar erst später, aber schon früher -wie in Étretat- hielt Monet Motive in verschiedenen Lichtsituationen und Stimmungen fest.

Claude Monet in einem Brief an Alice Hoschedé, 1886:

„Ich bin verrückt nach dem Meer; (…) um das Meer wirklich zu malen, muss man es jeden Tag, zu jeder Stunde und vom selben Standpunkt aus sehen, um sein Dasein genau an diesem Ort zu kennen.“ (zit. 34)

Claude Monet, Étretat. Die Felsnadel und das Felsentor von Aval. Pastell auf Papier. 1885 „(Privatsammlung)

Die meisten dieser Bilder malte Manet im Freien, im Angesicht seiner Motive. Dazu Guy de Maupassant in „La vie d’un paysagiste“:

Eigentlich war er nicht mehr ein Maler,  sondern Jäger. Kinder folgten ihm, die seine Leinwände trugen, fünf oder sechs Leinwände, die alle das gleiche Motiv in verschiedenen Tageszeiten und in unterschiedlichen Stimmungen wiedergaben.[4] Teilweise werden dann die angefangenen Bilder erst Wochen später im Atelier vollendet. „Nie genügt ein einzelnes Bild eines Motivs. Zahlreiche, variierende Darstellungen betonen die Wandelbarkeit der Landschaftserscheinung.“ (S.34)

Dieses besonders stimmungsvolle Gemälde ebenfalls aus dem Jahr 1885 zeigt die Felsnadel und das Felsentor von Aval im Abendlicht. (Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA),  Es wurde als Motiv für das Werbeplakat und den Umschlag des Ausstellungs-Katalogs gewählt.

Neben dem Felsentor von Aval und der Felsnadel gab und gibt es in Étretat noch weitere außergewöhnliche Felsformationen, die Monet ebenfalls malte: So das Felsentor Manneporte (1883 The Metropolitan Museum of Art, New York)

„Die majestätische Manneporte in gleißendem Licht. Auch den Felsen im Südwesten Étretats hat Claude Monet in unterschiedlichen Stimmungen auf die Leinwand gebannt. Das Gefühl kontemplativer Naturerfahrung geht von den Gemälden aus. … Beinahe verborgen bleiben währenddessen die obsessiven Mühen, die Monet im Malprozess aufzubringen bereit war. Auf der Jagd nach immer neuen Impressionen soll der Künstler einmal beinahe ertrunken sein, als ihn die Flut an der Manneporte überraschte. Seine unermüdlichen Versuche, die einzigartige Naturerfahrung in seiner Kunst zu übermitteln, brachte ihn teilweise an den Rand der Erschöpfung.“ (37)

Étretat. Die Manneporte. Lichtreflexe auf dem Wasser. 1885 (Musée des Beaux-Arts Caen)

Claude Monet in einem Brief an Alice Hoschedé 1883: „Étretat wird immer atemberaubender. (…) Der Strand mit all den schönen Booten ist großartig.“

Hier, am Ende des Strandes,  die Porte d’Amont, die Guy de Maupassant mit einem „riesigen Elefanten, der aus dem Meer trinkt“, verglichen hatte. (zit.5). Abbildung: Boote am Strand von Étretat, 1883 (Fondation Bemberg, Toulouse)

Boote am Strand von Étretat, 1883 (Museum der Bildenden Künste Leipzig

„Alte Fischerboote am  Strand von Étretat als Farbakzente vor der milchig trüben Meeresflut- Claude Monets modernes impressionistisches Farbenspiel fasziniert. Doch vermittelt das Bild eine im 19. Jahrhundert weitverbreitete Nostalgie: Denn während qualmende industrielle Zentren und rasch expandierende Großstädte eine neue Lebenswelt bedeuten, wächst die Sehnsucht nach Erholung und Ursprünglichkeit.“

„Ganz rechts in dem Gemälde schildert Monet mit wenigen, schwungvollen Pinselstrichen eine eigentümliche Hütte: Es ist ein ausgedientes Boot, das mit Reet gedeckt zur Strandhütte umgebaut wurde. Diese ursprünglichen Caloges dienten den Fischern ursprünglich zur Aufbewahrung ihrer Netze, Bojen und Taue. … Als Monet 1883 das Gemälde der Fischerboote malt, sind die charakteristischen Bauten von Étretat bereits zur Sehenswürdigkeit geworden – für den stetig wachsenden Strom von Küstenbesuchern“, der aus dem beschaulichen abgelegenen Fischerdorf einen mondänen Badeort macht. (11)

Claude Monet 1868 an Frédéric Bazille:

„Ich bin hier umgeben von allem, was ich liebe. Meine Zeit verbringe ich im Freien. (…) Abends, mein lieber Freund, finde ich in meinem Häuschen ein warmes Feuer und eine nette, kleine Familie.“ (zit. 26)

Claude Monet, Das Mittagessen, 1868/9, Städel-Museum, Frankfurt

Diese großformatige Interieurszene  (231,5 x 151,5 cm) hat auf den ersten Blick keinen Bezug zu Étretat. Aber sie ist dort entstanden. Im Winter 1868/69 mietet Monet für sich und seine Familie ein Haus im Ort. Das Gemälde zeigt seine Lebensgefährtin Camille Doncieux, die sich liebevoll dem kleinen Jean zuwendet. Der gemeinsame Sohn Jean wird 1867 unehelich geboren. Aller gesellschaftlicher Vorurteile und dem anhaltenden Druck seines Vaters zum Trotz verstößt Monet seine Geliebte und seinen Sohn nicht. Wenige Monate nach Fertigstellung des Gemäldes heiratet er Camille.

Der Mittagstisch ist üppig gedeckt – was allerdings der Realität nicht entspricht: Monet kann seine Familie in dieser Zeit kaum versorgen. Allein dank der Unterstützung eines Gönners aus Le  Havre kann er sich die Unterkunft in Étretat leisten. Der leere Stuhl markiert den Platz des Familienvaters- also Monets. Zwar ist er selbst nicht zu sehen, ist aber dennoch sehr präsent in dem Gemälde. Bücher und Zylinder (im Hintergrund auf der Anrichte) verweisen auf den Vater, vor allem aber die auf seinem Platz liegende Zeitung. Die  Buchstaben LE FI  bezeichnen die Zeitung Le Figaro, spielen aber auch auf das französische Wort le fils (der Sohn) an und könnten damit ein väterliches Bekenntnis zum unehelichen Kind sein.

Am Fenster lehnt eine elegant gekleidete Frauengestalt, offenbar eine Besucherin, während das Dienstmädchen durch die Tür schaut: Insgesamt also eine scheinbar gutbürgerliche Familienidylle, mit der Monet allerdings die akademischen Regeln der Kunst des 19. Jahrhunderts bewusst bricht: Das fast monumentale Format war damals historischen oder religiösen Motiven oder Portraits bedeutender Persönlichkeiten vorbehalten. Vermutlich wäre die Kunstgeschichte ganz anders verlaufen, hätte Monet dieses Gemälde nicht 1870 erfolglos im Pariser Salon eingereicht. Auf diese Ablehnung folgte vier Jahre später die erste Ausstellung der Impressionisten, in der Monet das Bild präsentierte. Mit der selbstorganisierten Alternative zum Salon geben Monet und seine Künstlerfreunde ihrer neuartigen Malerei eine öffentliche Plattform.[5]

Das Meer bei Fécamp, 1881. Staatsgalerie Stuttgart

Eine besondere Attraktion und Herausforderung war für Monet das stürmische Meer. In einem Brief aus dem Jahr 1886 schrieb er:

„Es war für mich eine Freude, dieses Meer in seiner Raserei zu sehen; es war eine Sinnesüberflutung.“ (zit. S. 36)

Claude Monet, Stürmisches Meer bei Étretat. 1883. (Musée des Beaux-Arts de Lyon), Detail

Courbets Wellen

Eine besondere Herausforderung war die Darstellung der Klippen von Étretat, vor allem aber die des stürmischen Meeres auch deshalb, weil vor ihm sein Malerfreund und auch Trauzeuge Gustave Courbet diese Motive mit großer Meisterschaft gestaltet hatte. Courbet malte in Étretat -angeblich unter dem Eindruck eines tosenden  Sturms- im Sommer 1869 die ersten Versionen seiner zahlreichen Wellenbilder.

Gustave Courbet, Die Woge, 1869

„Auf dem Bild, das heute im Städel Museum zu sehen ist, türmt sich die Woge vor den Betrachtern bedrohlich auf. Krachend und schäumend scheint sie am rechten Bildrand niederzubrechen. Schon Courbets Zeitgenossen priesen die eigentümliche Wucht und die Radikalität  seiner Bilderfindung.“ (29)

Bei dieser Version (ca 1869, Musée d’art moderne André Malraux, Le Havre) liegen die Fischerboote nicht wie bei Monet malerisch am Strand, sondern sie drohen von der heranrollenden Woge verschlungen zu werden.

Und Courbet steigert das Toben der Naturgewalten noch in seinen Wasserhosen-Bildern. Hier eine Version aus dem Metropolitan Museum of Art, New York. (1869)

„Guy de Maupassant schildert einige Jahre später seinen Besuch in Courbets Strandatelier und die Entstehung der Wellen-Bilder: Von Zeit zu Zeit drückte er sein Gesicht an die Scheibe und beobachtete den Sturm. Das Meer kam so nah, dass es das von Gischt und Lärm umgebene Haus regelrecht zu peitschen schien. Tief beeindruckt vom Bild der Woge zeigt sich auch Paul Cézanne: Es ist, als käme sie (die Woge) gerade auf einen los, man schrickt zurück. Der ganze Saal riecht nach Wasserstaub.“[6]

Detail aus einer weitgehend identischen Version der Wasserhose aus dem Musée des Beaux-Arts, Dijon

Courbet arbeitete in seinen Wellenbildern einen Großteil des Wassers mit dem Palettenmesser statt eines Pinsels heraus, „wodurch die pastos aufgetragene Farbe so massiv wie materiell wird, was ein entscheidender Schritt in die beginnende Moderne war. Das Momenthafte einer anrollenden Riesenwelle versteinert Courbet zu gemalter Bildhauerei.“[7]

Gustave Courbet, Die Welle. Stürmisches Wetter, 1869/1870. (Privatsammlung) Ausschnitt

Der große Erfolg von Courbets Wellenbildern aus Étretat beruht aber wohl nicht nur auf der künstlerischen Meisterschaft der Werke. Denn die konnten auch als politische Botschaften verstanden werden: Sie entstanden ja alle kurz vor dem Ende des zweiten Kaiserreichs Napoleons III., der kurz danach in die Bismarck’sche Falle tappte und in Überschätzung der eigenen Stärke Preußen den Krieg erklärte. Courbet sehnte ein Ende des Kaiserreichs und eine Wiederherstellung der von Napoleon III. beseitigten Republik herbei. Es war dann allerdings nicht die revolutionäre Macht des Volkes, sondern die preußische Armee, die das Kaisertum überwand. Aber Courbet engagierte sich auf Seiten der Pariser Commune für eine bessere Zukunft und wurde dafür mit Gefängnis und Exil bestraft.

Claude Monet, Raue See, 1881 (Fine Arts Museum of San Francisco)

„Gustave Courbet hatte mit seinen Wogen Neues gewagt. Einige Jahre nach dem Tod seines Freundes entwirft auch Claude Monet eine Reihe eigener Darstellungen heranrollender Wellen. Auf Courbets Wucht antwortet Monet mit impressionistischer Leichtigkeit. Er verwandelt das Bildmotiv der Wellen in ein Meer aus schwungvollen Pinselstrichen aus Blau-, Grün- und Weißtönen. Monets Bilder sind ganz auf die Bewegung von Brandung und Wolken fokussiert. Die schäumenden Wellen nehmen den Großteil der Bildfläche ein und weisen sogar darüber hinaus. Die Gemälde vermitteln die Unfassbarkeit unaufhörlicher Bewegung und Weite.“ (S.31)

Claude Monet, Raue See,1881 (National Gallery of Canada)

Die Entdeckung von Étretat

Es waren aber nicht Courbet oder Monet, die zuerst die wilde Schönheit Étretas entdeckten und künstlerisch gestalteten. Schon lange davor, als noch keine befestigte Straße oder gar eine Eisenbahn das abgeschiedene Dorf an der Küste erreicht, finden erste Künstler ihren Weg nach Étretat. Die frühesten Darstellungen des Ortes kündigen Ende des 18. Jahrhunderts einen kulturellen Wandel an. Die Naturerfahrung – das menschliche Staunen angesichts landschaftlicher Schönheit- sollte zum Motor der Kunst werden.“ (S. 5)

„Die Aquarellzeichnung des Künstlers Alexandre Jean Noël gilt als die erste bekannte Darstellung von Étretat. Sie verrät ein großes Interesse für die Beschaffenheit der Felsformationen und die Schönheit der Küstenlandschaft. Tatsächlich entstand die Darstellung um 1786 im Auftrag eines Austernhändlers und sollte Werbezwecken dienen. Die Muschel-Delikatessen wurden  in Étretat über Monate geschmacksveredelt und mit dem Pferd nach Paris geliefert.“ (5)

Der romantische Landschaftsmaler Eugène Isabey ist der erste Künstler, der sich um 1820 länger in Étretat aufgehalten hat und bei einem ehemaligen Kapitän gewohnt haben soll.

Eugène Isabey, Blick vom Stand auf die Felsen von Étretat, um 1830-1850. (Privatsammlung)

Besonders eindrücklich schildern Isabeys Aquarelle die Besonderheiten der rauen Landschaft: Mit wenigen, gezielt gesetzten Linien in Weiß-, Gelb- und Brauntönen stellt der Künstler die typischen Felsschichten dar und schildert skizzenhaft seinen Eindruck der Küste. (6)

Eugène Isabey, Klippe in Étretat. Um 1851 (Musée du  Louvre)

„Der hocherfolgreiche Marinemaler -dessen Küsten- und Meeresbilder durch Pathos und Dramatik bestechen- gilt als Entdecker von Étretat. Seine Bilder tragen in den folgenden Jahren entscheidend zur wachsenden  Beliebtheit des Küstenortes bei. Ab den 1820-er Jahren zieht das Naturspektakel Maler aus ganz Europa nach Étretat.“ (6)

„1836 reist Johann Wilhelm Schirmer quer durch Europa. Auf der Suche nach beeindruckenden Landschaften, die seine Gemälde inspirieren, besucht er auch Étretat. … Schirmers Bilder entwickeln eine aufwühlende Sogwirkung. Seine mit Ölfarbe gestalteten Studien der Felsenküste vereinen die genaue Beobachtung mit einer romantischen Überhöhung des Gesehenen.“ (9)

Johann Wilhelm Schirmer, Am Strand von Étretat, um 1836 (Museum Zitadelle Jülich)

Johann Wilhelm Schirmer, Felsküste bei Étretat, 1836 (Staatliche Kunsthalle Karlsruhe)

„Die  Felsküste betrachtet Schirmer aus ungewöhnlicher Perspektive: Aus  direkter Nähe gibt er die Beschaffenheit der Kalksteinfelsen wieder – von glatt bis porös, hier und da mit schwarzen Einschlüssen von Feuersteinen.“ (9) Schirmers Studien dienen auch als Unterrichtsmaterial an Schirmers Arbeitsstätte, der Düsseldorfer Akademie.

Eugène Delacroix, Die Porte d’Aval, um 1840 oder 1846 (Musée Marmottan Monet, Paris)

Auch Delacroix, ein Freund Isabeys, besucht in den 1840-er Jahren Étretat und zeichnet die Felsformationen. „Claude Monet begeistert sich später für die Studie seines Vorgängers und mag darin eine Vorahnung der Malweise des Impressionismus gesehen haben. Nach 1891 erwirbt er Delacroix‘ Blatt für seine eigene Kunstsammlung.“(9)

„Trotz aller Veränderungen hat das Bild Étretats als entlegener, ursprünglicher Küstenort Bestand. Besonders der Blick auf die Fischer und Dorfbewohner ist seit der ersten künstlerischen Entdeckung von projizierten Fantasien und Vorstellungen geprägt.“

Eugène Isabey, Strand bei Ebbe, 1833 (Musée du Louvre)

Bereits 1833 schildert Eugène Isabey das Dorf mit seinen Bewohnern fernab der modernen Gesellschaft. … Mit der Realität hatte seine Darstellung wenig zu tun: Die alten Reetdachhäuser in Étretat waren beinahe ebenerdig gebaut, ihre Mauern bestanden aus behauenem Feuerstein.“ (19)

Auch das Bildmotiv der Waschfrauen in der Kieselbucht von Étretat ist ein Symbol für die vermeintliche Ursprünglichkeit des Ortes. Ganz schwach ist am Horizont ein Dampfer zu erkennen als Hinweis auf die großen Umbrüche des 19. Jahrhunderts.

Eugène Boudin, Wäscherinnen am Strand und die Falaise d’Aval, 1894 (The National Gallery of Art, Washington)

Wäschewaschen hatte am Strand von Étretat eine lange Tradition. Bei Ebbe werden Süßwasserquellen unter dem Kieselstrand freigelegt, die das Reinigen von Textilien ermöglichen.  Über Jahrzehnte wurde das längst nicht mehr aktuelle Motiv auf Kunstwerken und Postkarten weiter verbreitet.

1843/44 eröffnete in Étretat das dritte Strandbad Frankreichs. Zunächst stand dabei der therapeutische Zweck des Meerwasserbadens im Vordergrund, dann wurde das Strandbaden zunehmend zum Freizeitvergnügen. Motive für den Maler Eugène Le Poittevin. Der hatte 1849 als einer der ersten Städter in Étretat ein Grundstück mit Wohnhaus und Atelier erworben. Den Ortswandel erlebt der erfolgreiche Pariser Maler hautnah mit. Als er 1866 sein Panoramabild Seebad in Étretat malt, hat sich die Anzahl der Sommerbadegäste bereits rasant gesteigert. Auf die 1500 dauerhaften Dorfbewohner kommen etwa 4000 bis 5000 Gäste im Jahr.

Eugène Le Poittevin, Seebad in Étretat, 1866 (Musée des Beaux Arts, Troyes) Ausschnitt

Menschen unterschiedlicher sozialer Herkunft und unterschiedlichen Geschlechts treffen am Strand aufeinander. „Das trifft in besonderem Maße auf Étretat zu, wo sich im Gegensatz zu anderen Kurorten Frauen nicht in abgegrenzten Bereichen aufhalten müssen. Auf dem Gemälde sind die Badegehilfen, zumeist lokale Fischer, an ihren roten Hemden zu erkennen.“

„Einige Badegäste lassen sich identifizieren: Bei dem Mann, der zum Kopfsprung ansetzt, handelt es sich vermutlich um den jugendlichen Guy de Maupassant.“[8]

Eugène Le Poittevin, Das  Seebad. Strand von Étretat, 1864/5 (Privatsammlung)[9]

„Dieses Gemälde wird im Pariser Salon von 1865 und auf der Weltausstellung von 1867 gezeigt und von Kaiser Napoleon III. für die Ausstattung des Élysée-Palasts erworben. Es ist ein lebendiges Zeugnis der neuen Freizeitgesellschaft, die Étretat erobert. Die Szene spielt am Nachmittag nach der Badezeit. Auf dem Kieselstrand sind Umkleidekabinen zu sehen, während Holzplanken einen Weg zum Wasser bilden – eine Praxis, die an den Stränden der Normandie in diesen Jahren allmählich zur Norm wird.“[10]

„Sogar die Hunde der Pariser Oberschicht genießen die frische Meeresluft vor dem tiefblauen Wasser.“ (16)

Étretat: Vom Küstenparadies zum Massentourismus

Dass Étretat zunehmend auch ein touristischer Anziehungspunkt wurde, ist nicht zuletzt der Nähe zu Paris zu verdanken und der Erschließung des Ortes für den Verkehr.

1895 wurde eine Eisenbahnverbindung von Paris nach Etretat eingeweiht und man konnte nun vom Bahnhof Saint- Lazare in Paris in 4 Stunden Étretat erreichen, das mit Casino, Theater, Tennisplätzen Werbung für anspruchsvolle und begüterte Touristen betrieb. Und natürlich beruhte die Anziehungskraft vor allem auch auf der von Monet, Courbet und Kollegen international verbreiteten grandiosen Landschaft.

Aus einer 1885 in der Zeitschrift Le Gaulois veröffentlichtem Chroniques des plages von Étretat:

Zu den sonderbarsten Dingen dort gehört wohl die Anzahl von Malern, die vormittags am Strand ihre Pinsel am Meer und den Felsen erproben. Wenn man am Kieselstrand entlanggeht, trifft man auf zehn, fünfzehn, zwanzig, fünfzig solcher Künstler, die  sich verpflichtet fühlen, das klassische Étretat zu malen. Amerikaner, Engländer, Strickwarenhändler, Schüler in Ferien, Schwiegersöhne und Schwiegermütter, alle Welt malt in Étretat.“ [11]

Um 1900 lässt allerdings das künstlerische Interesse an Étretat etwas nach, wenngleich der Ort nach wie vor zahllose Touristen wie auch einige Maler anzieht – so Félix Vallotton und Henri Matisse. „Im Sommer 1920 kommt Henri Matisse gleich zweimal nach Étretat, wo mehr als 40 Gemälde und zahlreiche Zeichnungen entstehen. … In bewusster Auseinandersetzung mit den Gemälden von Courbet und Monet widmet sich Matisse der Darstellung der Klippen, der am Strand liegenden Fischerboote und von Meerestieren. Menschen sind wie bei seinen Vorbildern nur vereinzelt zu entdecken, was den Ansichten die Aura eines verlassenen Ortes verleiht.“[12]

Henri Matisse, Am Strand von Étretat

Henri Matisse, Die Fässer, um 1920 (Moderna Museet, Stockholm)

„Mit wenigen Strichen und einer reduzierten Farbpalette fängt Henri Matisse die charakteristischen Elemente des Strands von Étretat ein. Der lockere, skizzenhafte Pinselduktus erinnert eher an eine Zeichnung als an ein Ölgemälde. Die Fässer und das Boot verweisen auf die Arbeitswelt der Fischer, die Matisse ansonsten ausspart. Er orientiert sich an den menschenleeren Gemälden seiner Vorgänger Courbet und Monet, deren Ansichten von Étretat in jenen Jahren sehr bekannt sind.“[13]

Henri Matisse, Étretat. Die Wäscherinnen, 1920 (The Fitzwilliam Museum, University of Cambridge)

Besonders eindrucksvoll und für uns ein Höhepunkt der Ausstellung ist dieses Gemälde: Matisse zeigt hier den „Elefanten“ flächig und die drei Menschen nur als Chiffre- ein Gegenentwurf zu Monets Stürmisches Meer bei Étretat von 1883.[14]

Die sich in der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg weiter verstärkende touristische Anziehungskraft Étretats wird durch den Zweiten Weltkrieg jäh unterbrochen. Die deutschen Besatzer verändern das Bild des Ortes radikal: Das Casino, das Hotel Blanquet, das erste Haus von Étretat, und mehrere Villen werden abgerissen, um ein freies Schussfeld für die Küstenbatterien zu haben. Étretat wird Teil des sogenannten Atlantikwalls. Am Ende des Krieges liegt die Strandpromenade in Trümmern.[15]

Von dieser Zeit zeugen die brutal in die Klippen einbetonierten und teilweise noch heute sichtbaren Bunker.

Foto: Wolf Jöckel, April 2011

Viele der Ende des 19. Jahrhunderts im anglo-normannischen Stil errichteten und im Krieg zerstörten Gebäude werden danach durch moderne Zweckbauten ersetzt. Darunter leidet der Charme des Ortes, aber nicht seine Attraktivität: 1,5 Millionen Menschen besuchen jährlich den Küstenort mit kaum mehr als 1000 Einwohnern- ein extremes Beispiel für den sogenannten overtourism.[16]

Im April 2025 sperrte die Gemeinde den Zugang zu den Klippen und weiten Teilen der Strände, um die Gefahren für Mensch und Natur zu begrenzen.[17] Die Ausstellung thematisiert auch diese Schattenseiten von Étretat.

Wir waren vor vielen Jahren mehrmals in Étretat, natürlich fasziniert von der wunderbaren Landschaft. Das war immer außerhalb der touristischen Hochsaison. Der Zugang zu den Klippen war damals noch weitgehend frei, aber Begrenzungen gab es auch damals schon: Es war ausdrücklich und unter Strafe verboten, auch nur einen einzigen der charakteristischen Strandkiesel einzusammeln und als Souvenir mit nach Hause zu nehmen. Bei 1,5 Millionen Besuchern im Jahr eine nur allzu berechtigte Maßnahme.

Die Ausstellung macht sicherlich Lust, trotz alledem Étretat zu besuchen. Aber es ist wohl vernünftiger, sich mit den 170 aus aller Welt zusammengetragenen Exponaten der großartigen Ausstellung und des einleitenden eindrucksvollen 3 D- Modells der Klippen von Étretat[18] zu begnügen.

Foto: Städel-Museum, Norbert Mikuletz

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Anmerkungen:

[1] https://www.froelichundkaufmann.de/ausstellungskataloge/monets-kueste-die-entdeckung-von-tretat.html Alle Bilder des Blog-Beitrags, deren Quelle/Autor nicht ausdrücklich gekennzeichnet ist, wurden von Wolf Jöckel aufgenommen.

Titelbild des Beitrags: Claude Monet, Die Mannaporte. Lichtreflexe auf dem Wasser. (Ausschnitt)

19 Minuten Lesedauer

[2] Siehe zum Beispiel: https://www.normandie-tourisme.fr/temps-fort/monet-2026-centenaire/ und https://help-tourists-in-paris.com/feiertage-und-veranstaltungen/ausstellungen/monet-2026-jubilaeumsjahr-zum-100-todestag-von-claude-monet/

[3] Städel-Museum, Moet Küste. Die Entdeckung von Étretat. Eine Einführung in die Ausstellung, S. 25. Alle weiteren Zitate ohne Quellennachweise sind diesem Text entnommen.

[4] Aus: Gil Blas, 28.9.1886  Zitiert als Wandinschrift in der Ausstellung

[5] Erläuterungen zum Bild zusammengestellt aus der Begleitinformation zum Bild, der Einführungsbroschüre in die Ausstellung und https://sammlung.staedelmuseum.de/de/werk/das-mittagessen

[6] Begleittext zum Bild in der Ausstellung

[7] Stefan Trinks, Felsiger Elefant im Meer. In: FAZ vom 18.3.2026

[8] Informationstafel der Ausstellung zu dem Gemälde

[9] Bild aus: https://mydailyartdisplay.uk/category/eugene-lepoittevin/    

[10] Informationstafel der Ausstellung zu dem Gemälde

[11] Wandinschrift in der Ausstellung

[12] Informationstafel der Ausstellung zu dem Gemälde

[13] Informationstafel der Ausstellung zu dem Gemälde

[14] In der Ausstellungskritik von Stefan Trinks in der FAZ vom 18.3.2026 sind beide Gemälde nebeneinander abgebildet.

[15] Das nachfolgende Foto aus: https://www.etretat.carnetsdepolycarpe.com/2024/12/15/etretat-occupe-etretat-libere/

[16] Nachfolgendes Bild aus: https://entrevue.fr/de/environnement/etretat-deborde-comment-sauver-le-joyau-normand-du-surtourisme/

[17] Nachfolgendes Bild aus: https://www.lemonde.fr/en/economy/article/2023/04/10/over-tourism-suffocates-etretat_6022341_19.html  Siehe auch u.a. https://www.atlas-monde.net/etretat-face-au-surtourime-entre-falaises-menacees-habitants-excedes-et-projets-controverses/

[18] Projektion durch das Pariser Unternehmen ICONEM, das auf die Digitalisierung von gefährdeten Kultur- und Naturgütern  spezialisiert ist. Sound: Wolfram Gruss

Praktische Hinweise:

Die Ausstellung mit 170 Gemälden, Zeichnungen, Fotografien und historischen Dokumenten läuft bis zum 5. Juli 2026 im Städel Museum in Frankfurt am Main.

Schaumainkai 63, 60596 Frankfurt am Main

https://www.staedelmuseum.de/de

Öffnungszeiten: Di-So 10-18 Uhr, Do bis 21 Uhr

Tickets für Eintritt und einstündige Überblicksführungen: https://www.staedelmuseum.de/de/monets-kueste

Der Audioguide ist kostenlos über eine App auf dem Smartphone abzurufen.

Wie wir vor Jahren Étretat erlebt haben:

„Unser Étretat“- eine etwas nostalgische Bilderserie

Zum „späten Monet“ gibt es einen Blog-Beitrag anlässlich einer Ausstellung in der Fondation Louis Vuitton:

Frank Gehrys Fondation Louis Vuitton und eine Ausstellung mit überraschenden Bezügen: Der späte Monet und der abstrakte Expressionismus der Amerikanerin Joan Mitchell

Im ersten Teil dieses Beitrags (Kapitel I – 5) wurde die Entwicklung der Halle au Blé bis zum Bau der großen Kuppel nachgezeichnet, die bis heute den grandiosen Innenraum überspannt.  

Halle au Blé – Bourse de Commerce – Pinault Collection: Verwandlung und Kontinuität (Teil 1) von Ulrich Schläger

Im zweiten Teil (Kapitel 6 und 7) geht es um die Umwandlung zur Getreidebörse und den Einzug der Moderne durch den japanischen Architekten Tadao Ando. Er greift das prägende Kreismotiv des Baus mit einem Beton-Zylinder auf, interpretiert es modern und schafft mit der reizvollen Verbindung und Kontrastierung von Altem und Neuem einen wunderbaren Ort für die Präsentation moderner Kunst. (Lesezeit 20 Minuten)

Kapitel VI   HENRI BLONDEL GREIFFT RADIKAL EIN

Der Umbau zur Bourse de Commerce

 „Die Politik hat ihre Paläste, die Religion ihre Kirchen, die Industrie ihre Manufakturen und Werften, der Handel seine Häfen, das Kapital seine Banken: Warum sollte die Spekulation in einem rein abstrakten Zustand bleiben? Die Börse ist der Tempel der Spekulation. Die Börse ist das Monument par excellence der modernen Gesellschaft“ P.-J. Proudhon 1854[1]

Wie schon die alte Halle au Blé, war auch der Umbau zur Handelsbörse ein Spekulationsobjekt. Zwischen 1878 und 1886 wurden fast zehn Projekte dem Pariser Stadtrat vorgelegt. Intern fiel die Entscheidung schon früh zugunsten des Architekten Henri Blondel, der nach einer nur noch formalen Ausschreibung am 2. März 1886 mit der Planung und den Bauarbeiten beauftragt wurde. Die Konzession sah außerdem den Bau von zwei Gebäudeblöcken für Handel und Industrie an der Rue du Louvre und die Errichtung von drei Brunnen vor, die jedoch nie realisiert wurden.

Ursprünglich plante Blondel einen größeren Erhalt des bestehenden Gebäudes. Er wollte zwar die Kuppel von Bélanger freilegen, sie aber ansonsten unverändert lassen. Zwei einander gegenüber liegenden Eingängen sollte jeweils ein korinthischer Tetrastilportikus vorgesetzt  werden, der eine zur Rue du Louvre, der andere zu Baltarts Markthallen hin. Der letztere verschwand in einem endgültigen Entwurf vom 19. Dezember 1887.

Coupe du premier projet de la Bourse de commerce, 1885, dessin d’Henri Blondel, Archives de Paris, Plans 2116.

Dann änderte Blondel seinen Plan und griff rigoros in die Halle au Blé ein. Ohne die endgültige Bestätigung seines Projekts abzuwarten, verkaufte er 1886 ohne behördliche Genehmigung das Kupfer, mit dem die Kuppel bedeckt war. Dann riss er den ringförmigen Getreidespeicher ein, von dem nur noch der innere Arkadenring mit der Kuppel und eine der beiden Treppen, die doppelte Wendeltreppe, verblieb.

Reduziert auf diesen inneren Arkadenring ragten von der Halle au Blé nur noch die kahle Kuppel und die Medici-Säule aus den Trümmern des Saint-Eustache-Viertels heraus. Bemerkenswert ist dabei, dass die Medici-Säule, letzter Überrest des Palais von Katharina de Medici aus dem Jahr 1572 erhalten blieb. Aber es gab einen breiten Konsens unter Kunstsachverständigen, dass diese Säule zu den markanten Punkten und Sehenswürdigkeiten von Paris gehöre. [1a]

Abriss der Halle au blé 1887. Musée Carnavalet

Das von seiner Kupferabdeckung befreite Eisenskelett der Kuppel offenbarte jetzt seine großartige Struktur.

„Entdeckung der Struktur nach dem Abriss“. Le Genie Civil. 15 – Dezember – 1888. Band 14 Nr. 7.

 „In einem Artikel von Emile Rümler in „La Construction moderne“ vom 10. Dezember 1887 wurde sie mit Eiffels Bauwerk verglichen.“[2]

Raphaël Gentilini,  einst Eleve der École des Ponts et Chaussées, schrieb: „Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die von Bélanger entworfene Metallkuppel der alten Getreidebörse auch heute noch aufgrund ihrer Solidität und Eleganz ein bemerkenswertes Werk ist und umso wichtiger hervorzuheben ist, als sie die erste nennenswerte Anwendung von Metallen für die Dachkonstruktion von öffentlichen und großen Gebäuden darstellt.“[3] Und Cosimo Canovetti,  Absolvent der École Centrale des Arts et Manufactures, kam 1888 nach methodischen Vermessungen und Berechnungen der Struktur zu dem bewundernden Schluss, dass das Bauwerk perfekt erhalten war, und dass Bélanger im Großen und Ganzen die richtigen Entscheidungen getroffen hatte.[4]

Anders noch als bei ersten Plan griff Blondel jetzt auch in den Kernbereich der Halle au Blé ein. Er schuf ein riesiges Untergeschoss, um die Belüftung, die Heizung und Stromge-neratoren unterzubringen. Das untere Drittel der Kuppel wurde mit Ziegeln zugemauert, um ein riesiges Panorama aufzunehmen, das den Welthandel darstellen sollte.

Um den inneren Kern herum schuf er einen großen Komplex mit einem zusätzlichen Zwischengeschoss (Mezzanin) und ein weiteres Stockwerk. Schließlich errichtete er einen monumentalen Portikus, dekoriert mit einem riesigen allegorischen Giebel – geschaffen von Croissy, der die Stadt Paris inmitten von Handel und Industrie repräsentierte. Die ehemalige Halle au Blé mutierte in einen Tempel der wirtschaftlichen Macht.

Schnitt durch die Bourse du Commerce von Blondel aus: Bourse de commerce – Le Génie civil: revue générale des industries françaises et étrangères, 27.10.1888. gallica, bnf.fr.

Ansicht von Osten (Les Halles) Mai 2024 Foto: Wolf Jöckel

Die Radikalität mit der Blondel zu Werke ging, entsprach dem gleichen Geist, mit der er schon bei der Transformation von Paris mit Enteignungen, Häuserabrissen und Straßendurchbrüchen unter dem Präfekten Georges-Eugène Haussmann als dessen „großer Favorit“ agierte. Auch wenn Haussmann Blondel in seinen Memoiren nicht erwähnt, bestand eine enge Verbindung zwischen beiden. In Briefen an Blondel beginnt Haussmann mit „mon cher Blondel“ und schließt mit der Formel „mille amitiés“. „Es besteht kein Zweifel daran, dass Haussmann Blondel zum „Mann von Paris“ machte und die Entwicklung seiner Geschäfte förderte, von denen ein Großteil während des Zweiten Kaiserreichs abgeschlossen wurde.“ [7] Beide handelten mit einer Energie und Durchsetzungskraft, die wohl ihrem protestantisch-calvinistischen Arbeitsethos entsprang.

Portikus (Foto: Bourse de Commerce/Pinault Collection)

Der allegorische Giebel. Davor der obere Teil von Idee de pietra- 1532 kg di luce von Giuseppe Penone aus dem Jahr 2010 – der Bronzeabguss eines Baums mit vom Wasser geschliffenen Steinen, der dauerhaft auf dem Vorplatz der Bours installiert ist. Foto: Wolf Jöckel

Das Monogramm der Bourse de Commerce im Foyer. Foto: Wolf Jöckel

Auf der Weltausstellung von 1889 präsentierte sich Frankreich mit dem Eiffelturm als weltweit höchstes eiserne Bauwerk und der riesigen Maschinenhalle als größtem überspannten Raum. Mit der zeitgleich eröffneten Bourse de Commerce sollte die zentrale Bedeutung Frankreichs im Welthandel demonstriert werden. Dazu dient das 1400 Quadratmeter große Panorama-Gemälde auf dem unteren Teil der Kuppel.

Die Kuppel mit dem Panorama-Gemälde. Fotos: Wolf Jöckel

Auf vier riesigen Bildtafeln, getrennt durch Allegorien der Regionen Europa, Asien, Afrika, Amerika und des Nordens im  Trompe-l‘oeil-Stil, mischen sich Phantasie und Realität:  exotische Szenerien mit Bildern aus Industrie und Technik (Fabrikschornsteine, Strommast, Lokomotive).

Unübersehbar ist die Gegenüberstellung der nackten „Wilden , der indigen Bevölkerung Amerikas und Afrikas, mit den korrekt gekleideten Weißen: Demonstrativer Anspruch der Überlegenheit des „weißen Mannes“. „Die rassistische Ikonographie [ist] allgegenwärtig und deckt die gesamte Bandbreite grotesker Kolonialstereotype ab. In der Amerika-Abteilung entspannt sich eine weiße Frau in einem blassrosa Kleid auf einem Baumwollballen, geschützt vor der Sonne unter einem Sonnenschirm, den ihre schwarze Zofe hält. Vor ihr kniet ein indigener Jugendlicher nieder und bietet ihr zur Unterhaltung einen Papagei an, während hinter ihr zwei eingeschüchterte Sklaven, die unbeachtet bleiben, einen Baumstamm tragen. Ein Stückchen entfernt handelt ihr Ehemann mit einer Gruppe Stammesangehöriger und bietet ihnen ein Gewehr und einen Korb mit westlicher Kleidung an.“[5]

Évariste-Vital Luminais, Amerika (Ausschnitt)

Das Panoramabild in der Bourse de Commerce ist ohne Zweifel Ausdruck des europäischen Kolonialismus und der White Supremacy.

Die Bilder wurden von fünf Malern geschaffen, die alle sehr bekannt waren und an großen öffentlichen Bauten mitgewirkt hatten. Évariste-Vital Luminais behandelte Amerika, Victor Georges Clairin Asien und Afrika. F. Hippolyte Lucas stellte die Handelsaktivitäten in Europa dar, Désiré-François Laugée wurden Russland und der Norden zugewiesen und Alexis-Joseph Mazerolle, der Leiter des Teams,  schuf die Allegorien der Kontinente und Regionen. „Europa wird durch Kunst und Architektur repräsentiert; Afrika von einem Löwen und der Jagd; Asien und der Orient mit Wasserpfeife und Elefanten; und der Norden von einem Eisbären. Diese große, detaillierte Komposition nimmt den Betrachter mit auf eine visuelle Reise um die Welt.“[6]

Victor Georges Clairin, Asien und Afrika.

F. Hippolyte Lucas, Europa/Der Norden.

Die Gemälde entstanden in ihren Ateliers auf mehreren Bahnen Leinwand, die zurechtgeschnitten, zusammengefügt und mit Kleber auf das Rund der Kuppel befestigt wurden. Das Panorama fand keine einhellige Zustimmung. Die zeitgenössische Kritik entzündete sich aber mehr an der mangelnden Kohärenz in der Gesamtdarstellung und der Qualität der Malerei, nicht aber an der Darstellung der Kolonisation selbst.

Das neue, völlig umgestaltete Gebäude wurde am 24. September 1889 mit großem Pomp eingeweiht

Kapitel VII   Tadao Andos Kreis im Kreis

Die Börse wird zum Ort für die Kunst

Nach vielen Jahren als Bourse de Commerce residierte dort zuletzt nur noch die städtische Handelskammer. Das Gebäude wurde vernachlässigt, alles war grau und schmuddelig vor Schmutz, auch das Rundgemälde. 1989, hundert Jahre nach seiner Eröffnung stand der Bau  leer. Die Stadt Paris kaufte das Gebäude und bot es 2016 François Pinault, dem Milliardär und Gründer eines Luxus- und Modeimperiums für seine Kunstsammlung zur Pacht an.  

Pinault,  leidenschaftlicher Sammler zeitgenössischer Kunst, hatte schon  2004 versucht, auf der Île Seguin ein Museum für seine 1999 gegründete Collection Pinault zu errichten. Sein Vorhaben scheiterte an diversen Umwelt- und Planungseinwänden. Pinault und sein Architekt Tadao Ando gingen nach Venedig und bauten dort den Palazzo Grassi und das ehemalige Zollhaus Punta della Dogana zu Orten für die Sammlung um.

Pinault beauftragte seinen Lieblings-Architekten, Tadao Ando, den japanischen Pritzker-Preisträger, mit dem Umbau der Börse, der in Zusammenarbeit mit dem Pariser Architekturbüro NeM (Lucie Niney und Thibault Marca), dem Denkmalspezialisten Pierre-Antoine Gatier und der Restauratorin Alix Laveau erfolgte. Die Ausstattung der «Bourse de Commerce» und auch die Gestaltung der Umgebung wurde Ronan und Erwan Bouroullec (Studio Bouroullec, Paris) anvertraut. Die wesentlichen Elemente und Strukturen des Gebäudes sollten nicht nur erhalten, sondern in den Dienst der neuen Funktion des Baus gestellt werden.

Das Äußere des Baus blieb unangetastet. Sorgfältig wurde Bélangers großartige Kuppel restauriert und neu verglast. Das Kuppelpanorama, „ein Überbleibsel aus einer Zeit, als sich die Kolonialmächte hemmungslos bereicherten und feierten: ein stolzer Lobgesang auf den Kapitalismus“[9], wurde gereinigt und repariert. Da es eng mit der Geschichte des Baus verbunden ist, sollte es nicht  dem Cancel Culture-Zeitgeist zum Opfer fallen. Darüberhinaus wurden die Räume, die den Kernbau mit der Kuppel umgeben, von entstellenden Eingriffen befreit und in großen Teilen für die Präsentation der Sammlung zur Verfügung gestellt.

Das markanteste Merkmal seiner neuen Nutzung war Andos Einbau eines Hohlzylinders aus Beton in die Rotunde in Form eines konzentrischen Kreises, eines neuen Raums im Raum.

Tadao Ando, Holzmodell des neuen Baus. Ausgestellt in der Bourse de Commerce. Foto: Wolf Jöckel

Er öffnet sich zum Himmel und das wechselnde Licht, das durch die riesige Kuppel fällt, schafft stets neue Stimmungen und Sinneseindrücke und interagiert mit den ausgestellten Objekten. Er kann sowohl als ein Ort der Intensivierung der Fokussierung der Sinne wie auch als Bühne, Arena für ein Schauspiel verstanden werden, wo sich Künstler/-innen mit ihren Werken zeigen, wo sie mit den Betrachter/-innen kommunizieren. Er ist das Gravitationszentrum des Museums.

Es ist eine große Herausforderung, Kunst auszuwählen, die diesem grandiosen Kuppelsaals gewachsen ist.

Eröffnungsausstellung 2021: Urs Fischer, Vanité de Cire. Der Raub der Sabinerinnen von Giambologna aus Florenz (Marmor), in Wachs nachgebildet und langsam im Verlauf der Ausstellung abschmelzend….

Eine besondere Erfahrung war auch 2024 die Installation eines Bodens aus Spiegeln, in denen sich nicht nur die Besucher selbst spiegelten, sondern auch die Kuppel.

Eine Wasserfläche mit Klangschalen 2025: Intensiver und adäquater kann man dem Raum der Rotunde nicht gerecht werden.

Bei der Konzeption des Beton-Zylinders ließ sich Ando nach eigenem Bekunden von den ineinander schachtelbaren russischen Matrjoschka-Puppen inspirieren. „Die Idee war, einen lebendigen Raum zu gestalten, der einen dynamischen Dialog zwischen Alt und Neu fördert, wie es sich für einen Ort gehört, der der zeitgenössischen Kunst gewidmet ist. Die Architektur sollte als Bindeglied zwischen den Fäden der Zeit, der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft dienen […] Die räumliche Anordnung der Bourse de Commerce besteht aus konzentrischen Kreisen und soll einen intensiven und subtileren Dialog zwischen Alt und Neu schaffen.“[10]

Der Betonzylinder hat einen Durchmesser von 30 m; er ist 9 m hoch und hat eine Wandstärke von 50 cm. Er wirkt dadurch schwer und massiv. Dabei ist er in Wirklichkeit ein hybrides Konstrukt: Nur eine jeweils 12 cm dicke Schicht aus Sichtbeton bildet die Innen- und Außenseite des Zylinders. Die Schichten werden durch eine 26 cm breite Stahlkonstruktion im Innern der Wand gestützt. Diese Konstruktion soll einen möglichen Rückbau des Zylinders erleichtern.

Der Beton, zuvor intensiv getestet, dann geschliffen, erfüllt mit seiner glatten, matten, homogenen, fast samtigen Oberfläche Tadao Andos hohe Ansprüche. Seine Ankerlöcher für die Verschalungsplatten tragen die Signatur Andos. In ihrer Anordnung, Größe und Seiten-verhältnisse erinnern sie japanische Tatamimatten. Die Zahl der Ankerlöcher geht über die technisch notwendige hinaus und folgt der in Japan üblichen Sichtbetonbauten mit ihrer größeren Zahl an Schalungsankern.

Durch insgesamt vier Tore gelangt man ins Innere der Trommel. Diese misst 29 Meter im Durchmesser. (Foto: Wolf Jöckel)

Die fünf Meter breite Passage zwischen der Wand des Zylinders und des Kuppel tragenden ehemaligen inneren Arkadenringes der Halle au Blé, wirkt jetzt wie eine städtische Gasse. An vier Stellen hat Ando durch türförmige Öffnungen die Beton-Ringmauer zur Passage hin durchbrochen. Er hat den zentralen Raum zugänglich gemacht für Aktionen und Interaktionen ohne ihn zu zerstören.

Eine Treppe schraubt sich an der Außenseite des Zylinders nach oben bis zur Spitze, wo ein „Promenoir“ in neun Metern Höhe den zentralen Kreisplatz umläuft und eine spektakuläre Aussicht auf die monumentalen Malereien an der Unterseite der Kuppel bietet.

Alt und neu: Die Treppe zwischen der Wand der ehemaligen Halle au Blé und dem Beton-Zylinder Andos. Fotos: Wolf Jöckel

Auf dem Weg nach oben verbindet sich die Treppe über Stege mit einem Halbgeschoss und dem darüber liegenden Obergeschoss des Bestandbaus. Die dort untergebrachten Ausstellungsräume sind so mit dem Zylinder und der umlaufenden Erschließung, der sogenannten „Passage“, verbunden.

Eine andere Treppe führt entlang des Zylinders nach unten zu einem Auditorium mit über 250 Plätzen und zu einer Block Box, einem großen verdunkelten Raum für Installationen. (Foto: Wolf Jöckel)

Im Untergeschoss sind auch noch die alten Maschinen zur Belüftung, Heizung und Stromerzeugung zu sehen.

Maschinenraum im Untergeschoss. Foto: Wolf Jöckel

Von der Passage kann man über Aufzüge und Treppenanlagen, darunter die Helix-förmige Doppel-Wendetreppe in die beiden oberen Stockwerke mit ihren Ausstellungsräumen, den Galerien gelangen.

Foto: Maxime Verret

Die Lichtinstallation bei der historischen Treppe stammt vom Studio Bouroullec. Foto: Wolf Jöckel

Während der eingestellte Zylinder den Kontrast zwischen Alt und Neu inszeniert (Foto: Wolf Jöckel), wurden die Räume, die den Kernbau mit der Kuppel umgeben, von entstellenden Eingriffen befreit. Mit ihrer runden Wand, der weißen Bekleidung und raffinierte Lichttechnik wurde sie in eine neue Form von „White Cubes“ verwandelt.

Die Ausstellungsflächen, insgesamt sind es 6.800 m2, können in variable Volumina, die von intim bis monumental reichen, verwandelt werden und erlauben ein dynamisches Programm in der Präsentation von Künstler aus der eigener Sammlung, aber auch von neuen künstlerischen Projekten, die ergänzt werden können durch pädagogische Programme, Konferenzen und Begegnungen, Filmvorführungen, Konzerte und Performances. Die Ausstellungsräume beeindrucken Klarheit, Helligkeit und „die Allgegenwart von makellosem Weiß… Das Bühnenbild ist von einer fast manischen Sauberkeit.“[11]

Die Galerien wurden auch durch ausgesuchte Möblierung und Ausstattungselemente – nach Entwürfen der Brüder Bouroullec – belebt. Sie gestalteten auch das Restaurant im obersten Geschoss.

Teppiche und Möbel, die die Designer in der Galerie platziert haben, um eine häuslichere, entspanntere Atmosphäre zu schaffen (Foto: mit freundlicher Genehmigung von Claire Lavabre/Studio Bouroullec).

Unbedingt empfehlenswert ist ein Besuch in der Bar/dem Restaurant La Halle aux Graines im obersten Geschoss. Man kann dort auch den Köchen bei der Arbeit zusehen.

Die kleinen Schoko-Kügelchen, die zusammen mit dem Kaffee serviert werden, haben – dem genius loci entsprechend- einen Kern aus verschiedenen Getreiden.

Besonders schön ist, wenn ein Platz am Rand frei ist – entweder mit Blick nach unten in den Kuppelraum oder nach außen auf das (derzeit wegen Renovierung geschlossene) Centre Pompidou, das Dach von Les Halles und auf die Kirche Saint Eustache. Fotos: Wolf Jöckel

Epilog

Wenn Architektur den Charakter eines Bauwerks ausdrücken soll, so sollten seine Teile so ausgewählt, so gestaltet sein und so zusammenwirken, dass bei den Betrachtenden die Sinne auf dieses Wesensmerkmal hingelenkt werden. Bei Vitruv und noch jahrhundertelang bestimmten die Säulenordnungen die traditionelle  Architektursprache. Im Ablösungsprozess von dieser Tradition wurde die Wirkung architektonischer Formen – gleichsam die „Wörter“ der Architektursprache – auf die Sinne/Gefühle untersucht. Der Prozess ging weiter mit der  Entwicklung einer neuen, zeitgemäßen, passenden Ausdrucksprache (durch neue Materialen/Baustoffe, neue Konstruktionsweisen).

Unverändert dabei bleibt der Anspruch an die Architektur bestehen, den Nicolas Le Camus de Mézières mit dem Motto, das er seinem Traktat Le génie de l’architecture, ou l’analogie de cet art avec nos sensations (Der Geist der Architektur oder die Analogie dieser Kunst mit unseren Empfindungen) (Paris, 1780) vorangestellt hat:

Non satis est placuisse oculis, nisi pectora tangas

C’est peu de plaire aux yeux, il faut émouvoir l‘âme

[Es genügt nicht, nur die Augen zu erfreuen; man muss auch die Seele berühren.]

Haben Pinault und vor allem Tadao Ando diesen Anspruch eingelöst?  Ich denke, ja:

• In der Zurückhaltung, mit der auf jedweden Hinweis und jede Werbung für den Konzern verzichtet wird,
• In der geschmackvollen Gestaltung der Umgebung des Baus,
• insbesondere in der glanzvollen Wiederherstellung der alten Bausubstanz,  
• in den reizvollen Kontrasten zwischen Altem und Neuen,
• in der Bereitstellung großzügiger, heller Ausstellungsflächen, Kommunikations- und Aktionsräumen,
• im kreativen Einsatz von natürlichem Licht und von künstlichem Licht durch eine innovative Technik im Eingangsbereich, den Treppenanlagen und in der Rotonde und vor allem aber
• mit der Installation des schlichten und so komplexen Beton-Zylinders, dem Wiederaufgreifen des Kreises als Wesensmerkmal des Gebäudes.

Damit ist etwas wirklich Großartiges gelungen.

---

Anmerkungen:

[1] Zitiert nach Claire Lemercier : Die Börsen in Frankreich im 19. Jahrhundert: Symbole der Handelsmacht? Dans Histoire, économie & société 2006/1 (25e année), pages 51 à 66. https://doi.org/10.3917/hes.061.0051

[1a] So ist sie auf einem Gemälde, in dem der „Ruinenmaler“ Hubert Robert 1789 in freier Anordnung bedeutende Pariser Bauwerke zusammengestellte, auch die Medici-Säule berücksichtigt. https://paris-blog.org/2024/08/01/die-fontaine-des-innocents-ein-kleinod-der-renaissance-im-zentrum-von-paris-frisch-renoviert-und-mit-einer-ausstellung-im-musee-carnavalet-gewurdigt/ Und ebenso auf dem Dessin dans lequel sont placés les monuments les plus remarquables de Paris der bedeutenden Architekten des Empire-Stils Percier und Fontaine https://passerelles.essentiels.bnf.fr/fr/chronologie/construction/971df661-6520-48fa-bb60-a7784e9cd883-rue-rivoli/article/f41a6470-ff26-4726-bb4e-a10d4eca7020-architectes-percier-et-fontaine

[2] Jean-Roch Dumont Saint-Priest, ebd.

[3] Le Genie Civil. Tome XIV, Nr. 7, 15. Dez. 1888, p.97-101

[4] Le Génie civil Tome XIII, Nr. 16, 18. Aug. 1888, p.242ff

[5] Felix Chabluk Smith: Discrete Contact. Disegno 11. Januar 2021

https://disegnojournal.com/newsfeed/bourse-de-commerce-tadao-ando-bouroullec

[6] Guillaume Picon: Restoration of the „panorama du commerce“

https://www.pinaultcollection.com/en/boursedecommerce/restoration-panorama-du-commerce

[7] Elsa Jamet: An Agency at the Service of Haussmannian Paris: the Agency of Henri Blondel (1821-1897). Online since 28 December 2020, URL: http://journals.openedition.org/craup/5747

[8] Elsa Jamet, ebd.

[9] Martina Meister: François Pinault – Der feinfühlige Milliardär. WELT, Veröffentlicht am 08.06.2021. https://www.welt.de/kultur/kunst/article231488535/Francois-Pinaults-Bourse-de-Commerce-Ein-Privat-museum-in-Paris.html

[10] Zitiert nach: Felix Chabluk Smith: Discrete Contact. Disegno 11. Januar 2021

https://disegnojournal.com/newsfeed/bourse-de-commerce-tadao-ando-bouroullec

[11] La Bourse de commerce, nouvel écrin de la collection Pinault. Expos. Mise à jour le 02/01/2024

https://www.paris.fr/pages/la-bourse-de-commerce-nouvel-ecrin-de-la-collection-pinault-19078

Literatur:

Brian Anderson : Roubo’s dome for Paris’s Halles aux Blés.,Posted on January 19, 2013 by Lost Art Press.
https://blog.lostartpress.com/2013/01/19/roubos-dome-for-pariss-halles-aux-bles/

Bruno Belhoste: A Parisian Craftsman Among The Savants: The Joiner André-Jacob Roubo And His Works. Annals
of Science 65 (4):395-411 (2008)

J.-F. Blondel, Cours d’architecture, 6 vols., ed. Pierre Patte, Paris, 1771–7, Vol. 1, p.108.

La Bourse de commerce, nouvel écrin de la collection Pinault. Expos. Mise à jour le 02/01/2024
https://www.paris.fr/pages/la-bourse-de-commerce-nouvel-ecrin-de-la-collection-pinault-19078

Laura Cantero Esquerdo: LA HALLE AU BLÉ DE PARIS – La primera gran cúpula de hierro fundido; Trabajo de fin
de Grado, Curso 2020/2021. Madrid, 8 de junio de 2022. Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid,
Universidad Politécnica de Madrid

La Collection Pinault à la Bourse de Commerce. Ouverture. Édition Beaux Arts, Paris 2021

Helene Marie Conway: Visible Structures. Submitted to the department of Architecture in partial fulfillment of
the requirement for the degree of Master of Science in Architecture Studies at the Massachusetts Institute of
Technology, June, 1991. http://dspace.mit.edu/handle/1721.1/7582

Jean-Roch Dumont Saint-Priest: La cupola metallica dell’«halle au blé» di Parigi (1806-1813), un’architettura
meccanica. ArcHistoR anno VI (2019) n. 12

The Genius of Architecture; or The Analogy of That Art with Our Sensations. Werner Szambien, Editorial
Consultant, Lynne Kostman, Manuscript Editor. Introduction by ROBIN MIDDLETON. Published by The Getty
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Le Genie Civil. Tome XIV, Nr. 7, 15. Dez. 1888, p.97-101
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Benjamin Hays: The transfer of thin wood vaulting from France to America. In: History of Construction Cultures,
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1981). https://doi.org/10.2307/3104569 • https://www.jstor.org/stable/3104569

Alexandre Sumpf, « Des Médicis aux Pinault : la bourse de commerce à Paris », Histoire par l’image [en ligne], consulté le 18/02/2026.  https://histoire-image.org/etudes/medicis-pinault-bourse-commerce-paris  

https://www.taylorfrancis.com/chapters/oa-edit/10.1201/9781003173359-8/transfer-thin-wood-vaulting-
france-america-hays

Meredith TenHoor: Architecture and Biopolitics at Les Halles. French Politics, Culture & Society, Vol. 25, No. 2
(Summer 2007), pp. 73-92 (20 pages) https://www.jstor.org/stable/42843502

L’utopie ou la poésie de l’art. https://expositions.bnf.fr/boullee/arret/d7/index.ht

Hier ein Plakat der aktuellen Ausstellung in der Bourse de Commerce. Titelbild: Titriteros (2023) des rumänischen Malers Victor Man, von dem mehrere Bilder zu sehen sind.

Weitere Blog-Beiträge zur Bourse de Commerce:

Klimawandel, Kriege und andere Katastrophen: Die Ausstellung Vor dem Sturm / Avant l’orage in der Bourse de Commerce in Paris (2023)

Meditation unter der Kuppel: Die wunderbare aquatische und musikalische Installation in der Rotunde der Bourse de Commerce (Juni bis September 2025)

Leserinnen und Lesern dieses Blogs ist Eva Jospin schon mehrfach begegnet. So im Beitrag über die verlängerte Metro-Linie 14, wo Eva Jospin eine Außenwand des Bahnhofs Hôpital-Bicêtre künstlerisch gestaltet hat.[1]

Und im Park von Chaumont-sur-Loire, der im September 2025 auf diesem Blog vorgestellt wurde, hat Eva Jospin eine wunderbare „Folie“ gestaltet, eine der in klassischen englischen Landschaftgärten eingestreuten Attraktionen und Blickpunkte.[2]

Es ist eine wunderbare Mischung zwischen Tempelchen und Grotte, inzwischen von der Natur überwuchert: eine für Jospin ideale Verbindung zwischen Natur und Architektur.

Sowohl die Wand des Bahnhofs von Hôpital-Bicêtre als auch die Folie von Chaumont-sur-Loire sind überwiegend aus Beton gefertigt. Die Modelle dafür bestanden aber aus Karton, dem bevorzugten Arbeitsmaterial Jospins. Die aktuelle Ausstellung im Grand Palais bietet nun die einzigartige Möglichkeit, die Meisterschaft ihrer Karton-Arbeiten und deren Variationsreichtum im Detail und aus nächster Nähe zu betrachten und zu bewundern.

Die Ausstellung findet gleichzeitig und gemeinsam mit der Präsentation von Claire Tabourets neuen Kirchenfenstern für Notre-Dame statt.

Blick in die Werkstatt von Eva Jospin[3]

Ein bevorzugter Gegenstand, den Eva Jospin mit ihren Kartons gestaltet, ist der Wald. Am Ende der Ausstellungs- Galerie steht eine monumentale, 9 Meter breite Wald-Wand.

Panorama, 2016, Karton und Holz 480 x 900 x 450 cm

Es ist ein Halbrund und trägt den Titel „Panorama“: Das bezieht sich auf die historischen Panoramen,  die Ende des 18. Jahrhunderts entstanden und sich, Vorläufer des Kinos,  im 19. Jahrhundert großer Beliebtheit erfreuten – gerade auch in Paris: Die Passage des Panoramas und die Panorama-Rotunde an den Champs-Élysées, Nachfolgerin des klassischen Baus Hittorffs, erinnern an die Blütezeit der Panoramen.  Und ein wenig wie damals lädt Jospins Panorama zu einem Spaziergang zwischen tiefem Wald und mineralischen Felswänden ein. Es gibt keine Menschen oder Tiere, aber der Wald ist nicht tot, er ist nur eingeschlafen. Ein Wolf könnte im dichten Unterholz lauern,  Eichhörnchen jederzeit in den Baumwipfeln herumtollen…

Für Jospin ist der Wald „Quelle der Magie. Er verweist auf die Ursprünge der Welt, auf Legenden und Märchen, weckt Staunen und Furcht.“ Mit den Worten Eva Jospins: „Es ist ein Ort, der sofort dazu anregt, neue Welten zu entdecken. Für mich ist es der Raum, der das Sichtbare und das Unsichtbare am besten verkörpert.“[4]

Schleicht hier vielleicht eine Echse durch das Unterholz?

Die Bewunderung des Waldes teilt Jospin übrigens mit Gustave Courbet, auf den sie sich auch ausdrücklich bezieht und in dessen Atelier in Ornans sie 2025 einige ihrer Werke ausgestellt hat. Beide waren fasziniert von den Wäldern, den Felsen, den Grotten und den Quellen. Aber im Gegensatz zu Courbet, dem Meister des Realismus, imitiert Jospin niemals die Natur, sondern erschafft sie immer wieder neu.[5]

Neben den Wäldern sind es phantasievolle Werke der Architektur, die Eva Jospin vor allem aus Karton herstellt. Beide Bereiche ohne jede menschliche Präsenz, geheimnisvoll, aber nicht beunruhigend – verstörend.

Scala, 2025 Karton, Messing

Diorama 2025  Holz, Karton, Bronze, Gips

Bögen, Säulen, Baumstümpfe, Felsen, Stalaktiten: Dieses Diorama vereint einen Großteil der Bildsprache Eva Jospins, zwischen Präsenz und Abwesenheit, Steinen und Bäumen, Ruinen und Höhlen. In diesem kleinen, intimen Theater vermischen sich Natur und Kultur organisch, ähnlich wie in den Kuriositätenkabinetten, deren Idee in der italienischen Renaissance entwickelt wurde.[6]

Betrachtet man die phantastischen Architekturen Jospins drängen sich viele Assoziationen auf: an die Architektur der troglodytischen Siedlungen, an die Säulen und Kapitelle des antiken Griechenlands, an die italienischen Capricci des 18. Jahrhunderts, die Welt des M.C.Escher oder die erträumten Landschaften und Bauten Hubert Roberts….

Es sind auch mächtige Bauten, die Jospin in der Ausstellung präsentiert.

„Traumwelten aus Karton“: Ausstellung in Palais des Papes. Photography: Benoît Fougeirol © ADAGP, Paris^[7]

Ausstellungstücke und Ausstellungsort sind nicht ganz so exquisit wie 2024 im Palais des Papes in Avignon, aber eindrucksvoll genug –  trotz des großen Gedränges in der Galerie des Grand Palais.

Im Vordergrund der Cénotaphe aus dem Jahr 2020, u.a. aus Holz, Karton, Muscheln, Buntpapier. Dahinter die Kuppel des 7,3 Meter hohen Duomo aus dem Jahr 2025

Die Kuppel des Duomo erinnert mit der Öffnung zum Himmel und den  herabhängenden Wurzeln an die Folie in Chaumont-sur-Loire.

Da die Fenster der Galerie ausdrücklich nicht zugestellt sind, öffnet sich der Blick auch auf die Architektur der Stadt… Und die Ausstellungsstücke verändern sich mit dem unterschiedlichen Lichteinfall.

Beim Rundgang durch die Ausstellung versteht man auch den Titel, den ihr Eva Jospin gegeben hat: Grottesco: Der Name verweist auf eine Legende, die von einem jungen Römer handelt. Er fällt aus Versehen in eine Höhle, wo er wunderschöne, vergessene Fresken entdeckt: Überreste des Domus Aurea des Nero, die seit Jahrhunderten verschüttet waren. Daraus entstand der Begriff des  „Grotesken“, ein Stil, in dem, so Jospin, „Pflanzen, Architektur, das Illusionäre und das Märchenhafte eine Einheit bilden. Das Groteske ist ein anderer Name für das Fantastische, das Unerwartete.“[8]

In der Ausstellung im Grand Palais gibt es auch einige Stickereien aus Seide und Wollfäden. Ein besonderes Beispiel für Jospins textile Arbeiten konnte man 2024 in der Orangerie des Schlosses von Versailles bewundern: Ein monumentales, 107 Meter langes Natur- und Architekturpanorama.[9]

In der Galerie des Grand Palais sind kleine(re), aber ebenfalls feine textile Werke ausgestellt.

Arche 2025 (Ausschnitt) Seiden- und Metallfäden

Source (Quelle), 2025. Eine Landschafts- Stickerei mit Seidenfäden, Holzrahmen

Source, Detail

Sous-bois (Unterholz, Ausschnitt) 2025 Stickerei mit Seidenfäden

Eva Jospin in ihrer Werkstatt [10]

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Anmerkungen

[1] https://paris-blog.org/2024/10/01/die-verlangerte-metro-linie-14-von-saint-denis-zum-flughafen-orly-technische-architektonische-kunstlerische-superlative-und-stadtebauliche-und-soziale-veranderungen/

Alles Bilder dieses Beitrags, wenn nicht anders angegeben, von Frauke und Wolf Jöckel

5 Minuten Lesezeit

[2] https://paris-blog.org/2025/09/06/der-skulpturenpark-von-chaumont-sur-loire/

[3] https://kultur24-berlin.de/ruinart-kunstprojekt-zum-gallery-weekend-in-berlin/

[4]   „C’est un lieu qui incite immédiatement à découvrir de noveaux mondes. Pour moi, c’est l’espae qui incarne le mieux le visible et l’invisible.“  Connaissance des arts hors-série, Eva Jospin, Grottesco. S. 14

Dieses Heft von Conaissance des arts behandelt auch die Ausstellung von Claire Tabouret, d’un seul souffle, die gleichzeitig in einer benachbarten Galerie des Grand Palais stattfindet.

[5] Guillaume Morel, Eva Jospin, rêver le paysage. In: connaissance des arts, S. 17

[6] Siehe: Le microcosme magique. In: connaissance des arts, S. 23

[7] https://thespaces.com/eva-jospin-palais-des-papes-avignon/?utm_source=Pinterest&utm_medium=organic&epik=dj0yJnU9SGV3X3UxV2VZWGZleUhuX2NqMFJLNmRXWVBPSkE1M3AmcD0wJm49aDhRMF80bTFRYzE4VGp1VjktdWx0ZyZ0PUFBQUFBR2wtQTkw

[8] Eva Jospin in: Connaissance  des arts, S. 6

[9] https://paris-blog.org/2024/08/30/versailles-ein-natur-und-architekturpanorama-eva-jospins-in-der-orangerie-von-versailles/

[10] Bild aus: connaissance des arts, S. 5

Weitere Blog-Beiträge mit Bezug zu Eva Jospin:

„Versailles“ – ein Natur- und Architekturpanorama Eva Jospins in der Orangerie von Versailles (Juni bis September 2024)

Der Skulpturenpark von Chaumont-sur-Loire

Die verlängerte Metro-Linie 14 von Saint-Denis zum Flughafen Orly: technische, architektonische, künstlerische Superlative und städtebauliche und soziale Veränderungen

Paris verfügte schon bisher über ganz außerordentliche Orte zur Präsentation moderner/zeitgenössischer Kunst. Man denke nur an das Centre Pompidou, das Musée d’Art moderne de la ville de Paris, und natürlich an die wunderbaren privaten Ausstellungsorte: Die Bourse de Commerce, in der François Pinault „die Werke einer der wichtigsten Sammlungen zeitgenössischer Kunst der Welt“ ausstellt[1], und die Fondation Louis Vuitton von Bernard Arnault, dem Besitzer des Luxuskonzerns LVHM und einem der reichsten Männer der Welt. Der kann es sich auch leisten, dort die bisher umfassendste und schönste Ausstellung der Werke Gerhard Richters zu präsentieren[2].

Jetzt hat Paris seiner „Kulturkrone“ einen weiteren funkelnden Edelstein hinzugefügt: Das Ausstellungsgebäude der Fondation Cartier mitten in Paris, im Zentrum des gesellschaftlichen, künstlerischen, politischen Lebens der Stadt, ja des Landes. Allein die Adresse ist ein Ausrufungszeichen: 2, place du Palais Royal. Es ist ein monumentales, ein ganzes Straßenareal ausfüllendes Bauwerk, an der Pariser Ost-West-Achse rue de Rivoli gelegen, gegenüber dem Louvre, dem Kultusministerium, der Comédie Française und, natürlich, des Palais Royal mit dem Conseil d’État [3].

Das Ausstellungsgebäude im Haussmann-Stil an der Place du Palais Royal. Bild: © Luc Boegly[4]    

Der fünfstöckige, 153 Meter lange und bis zu 58 Meter breite Riese aus hellem Kalkstein wurde 1854/55 im Hinblick auf die unmittelbar bevorstehende Weltausstellung aus dem Boden gestampft. Das Hôtel du Louvre bildete mit 1200 Zimmern eine Miniaturstadt und bot seiner kosmopolitischen Klientel neben Wasserklosets auch Luxusboutiquen unter den ringsumlaufenden Arkaden. Eine dieser Boutiquen, die Galeries du Louvre, wuchs sich zum -laut Werbung- ‚größten Warenhaus der Welt‘ aus und verdrängte, inzwischen umfirmiert zu Grands Magasins du Louvre, 1887 gar das Hotel aus den Mauern.[5] Die Grands Magasins du Louvre waren neben dem noch älteren Kaufhaus Bon Marché Vorbild für die späteren großen Kaufhäuser in aller Welt und für Zolas Roman Au bonheur des dames/Das Paradies der Damen.  

1978 allerdings musste das Kaufhaus schließen und machte Platz für das Louvre des Antiquaires.  Rund 240 Antiquitätenläden boten dort bis 2019 Kunstwerke aus aller Welt zum Verkauf an. 1995 hatte allerdings eine französische Immobiliengesellschaft den Gebäudekomplex erworben. Zunächst war geplant, dort ein Centre commercial der Mode einzurichten, dann hatte Dominique Perrin, Präsident der Fondation Cartier, das Gebäude als idealen Ort für einen neuen Ort für die Ausstellungen seiner Stiftung ausersehen, wobei zunächst nur daran gedacht war, die Hälfte des Gebäudes anzumieten. Dann war es aber Jean Nouvel, der „Hausarchitekt“ der Fondation Cartier, der Perrin davon überzeugte, den gesamten Gebäudekomplex für die Stiftung zu nutzen: Insgesamt sind in das 8500 für Besucher zugängliche Quadratmeter und davon  6500 m2 Ausstellungsfläche, also fast eine Verfünffachung gegenüber des Gebäudes am Boulevard Raspail. [6]

Dafür waren allerdings erhebliche Umbaumaßnahmen erforderlich, mit denen Jean Nouvel beauftragt wurde. Der hatte schon Ende der 1990-er Jahre das erste, noch erheblich kleinere Pariser Ausstellungsgebäude der Stiftung am Boulevard Raspail konzipiert.

  © Philippe Ruault/Fondation Cartier

Dies ist das bisherige Ausstellungsgebäude Boulevard Raspail, „eines der interessantesten Bauwerke Ende des 20. Jahrhunderts,“[7] war für Nouvel sein „monument de Paris“. Es ist ein transparentes Gebäude aus Stahl und Glas, ohne feste Mauern: offen und flexibel für die Bedürfnisse der jeweiligen Ausstellungen. [8] Im Vordergrund eine Libanon-Zeder, 1823 gepflanzt von dem Schriftsteller Chateaubriand, der damals hier wohnte.

Jean Nouvel, inzwischen 80 Jahre alt und ausgezeichnet mit dem Pritzker-Preis, dem „Nobel-Preis der Architektur“, ist den Parisern wohlbekannt als Architekt der Philharmonie, des Institut du Monde Arabe und der extravaganten Duo-Türme am östlichen Stadtrand von Paris.

Jean Nouvel in dem roten Auditorium der neuen Fondation Cartier © Adrien Dirand[9]

Das für die Stiftung vorgesehene kolossale Gebäude entsprach nun allerdings ganz und gar nicht seinen Vorstellungen und dem neuen Verwendungszweck des Gebäudes. Es war weder offen, noch transparent, noch flexibel – ihm fehlte also all das, was das alte Ausstellungsgebäude am Boulevard Raspail ausgemacht hatte. Eine große Herausforderung für den Architekten.

Jean Nouvel im Rückblick: „Der Innenraum war sehr dunkel. Es galt, ihm Tiefe zu verleihen, die Höhen zu variieren und die Lichtquellen zu vervielfachen. Wir wollten eine Perspektive schaffen, die es ermöglicht, sich im Raum zu orientieren.“[10]

Nouvel öffnete also unter Bewahrung der Fassade den jetzt lichtdurchfluteten Eingangsbereich hin zur place du Palais Royal,  entkernte den Bau, legte einen 85 Meter langen Innenraum frei und konzipierte drei Glaskuppeln über den Innenhöfen mit steuerbarem Lichteinfall und Blick auf das begrünte Dach.

Bilder: Fondation Cartier/Martin Argyroglo

Außerdem schuf er fünf 200 bis 263 Quadratmeter große Plattformen, die sich mit einer für die Besucher sichtbaren Mechanik über eine Höhe von 11 Metern anheben oder absenken lassen.

Man hat deshalb das Gebäude einen „flexiblen Maschinenraum“ genannt.[11] Assoziationen an die Hebebühnen des Theaters liegen nahe, vielleicht hat es aber auch -so Le Monde- Anleihen bei der Militärtechnik gegeben. [12]

Jean Nouvel zu der so ermöglichten Flexiblität der Ausstellungsflächen:

„In diesem Bauwerk, von dem aus dem 19. Jahrhundert nur noch die charakteristische Fassade und einige strukturelle Elemente erhalten sind, befindet man sich in einer industriellen Kathedrale mit seltener Größe und sehr großen Spannweiten. Es strahlt eine sehr starke Kraft aus. Seine fünf Stahlplattformen, deren Beweglichkeit man sehen kann, stehen in völligem Kontrast zur Haussmann’schen Architektur des Äußeren. Es ähnelt einem Super-Theater, in dem man sehr schwere Böden anhebt. Diese Innovation ist nicht nur funktional oder szenografisch. Für mich ist sie architektonisch, in dem Sinne, dass sie dynamisch wird. Die Innovation besteht darin, dass man über alle möglichen Höhenverstellungen und alle diese Lichter mit variabler Intensität bis hin zur völligen Dunkelheit verfügen kann, je nachdem, wie weit die Glasdächer und Seitenfenster geschlossen sind. Die Fondation Cartier wird wahrscheinlich die Institution sein, die die größte Differenzierung ihrer Räume, die meisten Ausstellungsmöglichkeiten und die meisten Blickwinkel bietet. Die Leistungsfähigkeit der Plattformen ermöglicht es, sehr schwere Werke aufzunehmen und sie auf völlig neue Weise aufzuhängen. Hier kann man, indem man das Ausstellungssystem verändert, Dinge tun, die anderswo nicht möglich wären.“[13]

Was die Umbaukosten für das auf Dauer angemietete Gebäude angeht, hüllt sich die Fondation in vornehmes Schweigen. Es sollen aber zwischen 225 und 245 Millionen Euro gewesen sein.[14] Aber anders als bei staatlichen Kultureinrichtungen, selbst sogar dem Louvre auf der anderen Straßenseite, spielt Geld hier wohl keine Rolle. Denn wenn auch der französische Staat unter seiner Schuldenlast ächzt, die französische Luxusindustrie floriert nach wie vor, und Pinault, Arnault und Cartier stellen das auch ostentativ zur Schau. So musste Nouvel nicht kleckern, sondern konnte klotzen.

Besonders wichtig und typisch für ihn waren „die vielen Durchblicke,“[15] die der neue Bau ermöglicht. Da gibt es die sieben Meter hohen Rundbogenfenster, die früheren Schaufenster, durch die Passanten Einblicke in die Ausstellung haben und durch die die Ausstellungsbesucher nach draußen sehen können.

Blick nach drinnen: Die Trennung von Innen und Außen ist aufgehoben. Mit den Worten von Jean Nouvel:

„Im Erdgeschoss ist die Fassade entlang der gesamten Länge der Rue de Rivoli und der Rue Saint-Honoré verglast, sodass der Blick von einer Straße zur anderen schweifen kann und Innen und Außen miteinander verschmelzen. Diese Transparenz der Seitenfenster bestärkt das Gefühl, im Herzen von Paris zu sein.“[16]

„Im Herzen von Paris“: rue de Rivoli

Besucher des Louvre auf der gegenüberliegenden Straßenseite

Interessierte Blicke auf das kleine Stück Amazonas im Untergeschoss des Gebäudes.

Beim Rundgang durch die Eröffnungsausstellung fällt auf, wie bedeutend der Anteil außereuropäischer, gerade auch indigener Kunst ist. Sie ist ein Schwerpunkt der Sammlungstätigkeit der Fondation Cartier.[17]

Aus der Bilderserie „Künstler des Gran Chaco“. In diesem Wald im Norden Paraquays, der von völliger Zerstörung bedroht ist, leben die autochtonen Volksstämme Guarani und Nivaclé. Sie machen in ihren Zeichnungen auf die Vielfalt der bedrohten Flora und Fauna aufmerksam.

Sheroanawe Hakihiiwe gehört zur Gemeinschaft der Yamomanis in Venezuela. Mit minimalistischen Methoden stellt er Motive der ihn umgebenden Natur dar. Oben: Der Weg der Ameisen, darunter: Blatt mit Früchten.

Jivya Soma Mashe, Fischnetz (2009). Der Künstler aus dem Stamm der Warlis in Maharashtra/Indien hat eine 4500 alte künstlerische Maltradition neu belebt. Seine Szenen des Ackerbaus, der Ernte, der Tierwelt oder -wie hier- des Fischfangs sind mit Kuhdung und Acrylfarben gemalt.

Es gibt immer wieder neue Perspektiven im Innern zwischen den verschiedenen Ebenen des Gebäudes:

Eine Besuchergruppe am Fuß des Miracéus der Brasilianerin Solange Pessoa: ein in der Luft schwebender Pilz aus Stoffen und Vogelfedern ihrer Heimat.

Ron Mueck, Woman with Shopping (2013). Dahinter der obere Teile des Miracéus.

Foto: Sonia Branca-Rosoff [17a] Links an der Wand Masken aus Holz und Metall von David Hammons. Im Geschoss darunter eine Farbkomposition des Bolivianers Mamani.

Blick in das Foyer mit der Petite Cathédrale von Alessandro Mendini (2002)

Blick auf die für die Eröffnungsausstellung konzipierte dreidimensionale  Installation von Sarah Sze, speziell für die Eröffnungsausstellung in der neuen Fondation Cartier im Untergeschoss des Gebäudes aufgebaut.

Von dem oberen Geschoss kann man das Spiel der Farben und die Bewegung eines an Foucault erinnernden Pendels beobachten.

Auch das U-Boot Panamarenkos aus dem Jahr 1996 befindet sich natürlich im Untergeschoss, wo man es auf Augenhöhe betrachten kann.

Durchblicke: Baumstämme für den Küstenschutz von Saint-Malo von Raymond Haynes und Pierrick Sorin. Zum ersten Mal ausgestellt in der Fondation Cartier Boulevard Raspail 1994. Auch eine Reverenz an Chateaubriand, der in Saint-Malo aufwuchs und später auf dem Gelände der Fondation Boulevard Raspail wohnte.

Und dann gibt es auch noch die Blicke nach oben, zu den Glasdächern über den Innenhöfen, über denen Bäume wachsen…

Foto: Sonia Branca-Rosoff [17a]

Der Bau der neuen Fondation Cartier wird als eine architektonische Meisterleistung („une prouesse architecturale“), ja als Wunderwerk („une merveille architecturale“) gerühmt.[18]  Marc Zitzmann, der ebenfalls begeisterte Pariser Kulturkorrespondent der FAZ, formulierte sogar etwas salopp, Jean Nouvel hänge mit dem Bau „die Konkurrenz ab“. Dem kann ich aber nicht ganz zustimmen. Frank Gehrys Schiff mit seinen 12 aufgespannten Segeln für die Fondation Louis Vuitton, die aus dem 18. Jahrhundert stammende Getreidebörse, von Tadaō Ando wunderbar für die Pinault-Kunstsammlung umgebaut, und auch das von Renzo Piano, Richard Rogers und Gianfranco Franchini entworfene Centre Pompidou kann auch ein Jean Nouvel nicht so einfach „abhängen“.

In einem Punkt allerdings hat Nouvel Gehry und Ando in der Tat „abgehängt“: Die Ausstellungsfläche der Fondation Cartier ist mit ihren 6500 Quadratmetern deutlich größer als die der Fondation Louis Vuitton (3500 qm2) und der Bourse de Commerce (ca 3000qm2). Hinter dem Centre Pompidou mit seinen ca 7500 Metern Ausstellungsfläche bleibt sie allerdings etwas zurück.

Aber ungeachtet aller Unterschiede und „Wer ist die Schönste im Lande? –  Eifersüchteleien:  Einen weiteren Edelstein hat Jean Nouvel der Pariser Kunstkrone in der Tat hinzugefügt.

Die Eröffnungsausstellung der Fondation Cartier im neuen Domizil ist überschrieben: Exposition générale.

Das knüpft an die Zeit an, als das Bauwerk die Grands Magasins du Louvre beherbergte, die jährlich eine Exposition Générale des Nouveautés veranstalteten.[19]

In der Exposition générale der Fondation Cartier werden allerdings keine Neuheiten des Sommers gezeigt, wie hier auf dem Plakat des Kaufhauses angekündigt. Präsentiert wird eine „Auswahl ikonischer Werke“ früherer Ausstellungen, „die mehr als vierzig Jahre internationales zeitgenössisches Kunstschaffen nachzeichnet.

An der Schau beteiligt sind unter anderem die brasilianisch-schweizerische Fotografin Claudia Andujar, die kolumbianische Textilkünstlerin Olga de Amaral, der chinesische Konzept- und Performancekünstler Cai Guo-Qiang und der Japaner Jun’ya Ishigami, bekannt für seine Rauminstallationen: ein buntes Bouquet von Kunst, das einen von einer Welt in eine andere versetzt.“ [20]

Empfehlenswert ist, frei durch die Ausstellung zu flanieren. „Der Erkundungsgang macht Spaß: Es geht nach unten und nach oben (…), der Parcours führt über Endlosgänge in Sackgässchen, vom Licht ins Dunkel und vom Lauten ins Leise.“ [21]  Das Zusammenspiel von Kunst und Architektur, von Innen und Außen, von einigem Bekannten und vielem Neuen, von ganz unterschiedlichen künstlerischen Medien, von europäischer und außereuropäischer Kunst sind Garanten einer spannenden Entdeckungsreise.

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Anmerkungen:

[1] https://www.pinaultcollection.com/en/boursedecommerce/deutsch  

[2] Der heilige Gerhard. So schön, so umfasend wurde sein Werk noch nie gezeigt. In: Die ZEIT, 30. Oktober 2025

[3] Zum Palais Royal siehe die Blog-Beiträge:

Das Palais Royal (1): Ein Garten der Literatur und eine Oase der Ruhe mitten in Paris

Das Palais Royal (2): Ein Einkaufs- und Unterhaltungszentrum in den „wilden Jahren“ zwischen 1780-1830 

Das Palais Royal (3): revolutionärer Freiraum und Sündenbabel in den „wilden Jahren“ zwischen 1780 und 1830

[4] https://www.archdaily.com/1021421/fondation-cartier-reveals-plans-to-move-into-a-historic-landmark-in-paris-reimagined-by-jean-nouvel

Alle Bilder des Beitrags, wenn nicht anders angegeben, von Frauke und Wolf Jöckel

[5] Marc Zitzmann, Neobarocke Kunstmaschine. In: FAZ vom 22. Oktober 2025.  Daraus habe ich auch den Ausdruck „Kulturkrone“ übernommen.

[6] https://medias.fondationcartier.com/fondation/documents/press/Fondation-Cartier-DP-40ANS-FR.pdf

und https://www.louvre-antiquaires.com/le-louvre-des-antiquaires-lautre-louvre-qui-faisait-battre-le-coeur-des-collectionneurs/

Die nachfolgende Abbildung stammt von der Eintrittskarte für die Ausstellung.

[7] https://paris-promeneurs.com/la-fondation-cartier-pour-l-art/

[8] https://medias.fondationcartier.com/fondation/documents/press/Fondation-Cartier-DP-40ANS-FR.pdf

[9] Dana Thomas, La nouvelle Fondation Cartier, une prouesse architecturale signée Jean Nouvel. 29. Oktober 2025  https://www.admagazine.fr/article/fondation-cartier-jean-nouvel

[10] Zit. bei Dana Thomas a.a.O.

[11] Alexandra Wach, Das neue Museum der Fondation Cartier im Herzen von Paris: Schwebend in die Zukunft. Tagesspiegel 9.11.2035

[12] Au cœur de la capitale, l’architecte a transformé le Louvre des antiquaires en jouant la carte de l’ingénierie militaire. Le Monde 25.10.2025

[13] Zit.  https://medias.fondationcartier.com/fondation/documents/press/Fondation-Cartier-DP-40ANS-FR.pdf   S. 39

[14] Zitzmann, a.a.O.

[15] Zitzmann a.a.O.

[16] Zit.  https://medias.fondationcartier.com/fondation/documents/press/Fondation-Cartier-DP-40ANS-FR.pdf  S. 38

[17]Siehe:  Fondation-Cartier-DP-40ANS-FR.pdf S. 15/16

[17a] https://passagedutemps.com/2025/11/24/fondation-cartier-premiere-visite/

[18] https://www.admagazine.fr/article/fondation-cartier-jean-nouvel, https://odyssea-paris.com/mot-motivations-fondation-cartier/ etc

[19] Abbildung aus: https://artvee.com/dl/grands-magasins-du-louvre-exposition-generale-des-nouveautes-dete/

[20] Malena Ruder, Fünf Gründe, die neue Fondation Cartier pour l’art contemporain zu besuchen

https://bellevue.nzz.ch/reisen-entdecken/kultur/fondation-cartier-in-paris-5-gruende-fuer-einen-besuch-am-neuen-standort-ld.1910015  vom 04.11.2025

[21] Zitzmann a.a.O.